Selama ini, piano memang menjadi salah satu alat musik Barat yang paling populer di dunia. Bahkan di dunia seni musik sendiri, piano menjadi salah satu instrumen wajib yang harus dapat dimainkan oleh mahasiswa yang berkuliah musik. Ya, pelajaran permainan musik keyboard adalah salah satu mata kuliah wajib, seperti mata kuliah kalkulus untuk mahasiswa fakultas teknik, walau mungkin mahasiswa tersebut sebenarnya memilih instrumen lain sebagai mayor.

Banyak orang yang mengatakan piano adalah alat musik yang cukup mudah dikuasai. Namun itu tidak sepenuhnya benar. Memang pianis tidak perlu berkutat untuk memproduksi intonasi nada yang tepat seperti pemain flute, oboe, biola dan banyak instrumen lainnya. Tapi inilah yang akhirnya menjadi titik lemah piano.

Ya, piano tidak dapat menyesuaikan diri dengan laras yang lainnya. Piano hanya kromatis diatonis saja. Piano memiliki keterbatasan dalam bermain bersama alat-alat musik tradisional. Karena penyelarasan (stem) bersifat tetap dan standar akhirnya memang sulit sekali untuk menyesuaikan piano untuk berbunyi layaknya musik tradisional seperti musik-musik Timur Tengah ataupun laras slendro Jawa. Piano juga tidak bisa diubah larasnya di tengah permainan.

Namun Fluid Piano sebuah penemuan sekaligus modifikasi dari piano biasa mengubah persepsi kita tentang piano akustik. Piano ini bisa ditala ketika dimainkan mirip seperti gitar dan pada akhirnya memiliki fleksibilitas sebagaimana biola dapat menyesuaikan laras sehingga persis dengan rebab di Iran. Dengan piano fluid ini, 88 buah bilah tidak lagi bertala tetap, melainkan bisa disesuaikan dengan yang inginkan secara mikrotonal.

Penemunya adalah Geoff Smith, seorang komposer dan penampil, yang berhasil membongkar konsep alat musik ini yang telah ada paling tidak sejak 300 tahun yang lalu. Pertanyaannya sekarang apakah piano ‘modern’ akan tergeser oleh Fluid Piano ini? Hanya waktu yang mampu menjawab.

Lebih lanjut baca di sini.

Mengulas musik memang seringkali menjadi momok, terutama di Indonesia. Mengulas musik seakan hanya membanjiri seseorang dengan kritik tanpa melihat hal yang baik. Lucu? Tapi memang demikian adanya apabila kita berada di masyarakat yang tabu berdiskusi secara terbuka. Bahkan seakan-akan begitu parahnya sampai ada anggapan bahwa membicarakan di belakang lebih lumrah daripada membicarakannya di depan sebuah forum terbuka.

Greg Sandow, seorang penulis musik dan dosen, mengemukakan hal yang menarik tentang kelas Kritik Musik yang ia ajarkan di Julliard School. Menarik karena ia tidak menekankan soal belajar mengulas musik walaupun ia akui bisa jadi suatu materi yang menarik.

how they often feel they don’t have the words to describe something about a piece or a performance, especially if it involves emotional subtleties, or is in an idiom they’re not familiar with.

Tetapi menarik ia menyampaikan bahwa tujuan utama kuliah ini adalah untuk melatih para musisi untuk mampu berbicara tentang musik, bagaimana berkata-kata dan menggunakan bahasa yang tepat untuk menggambarkan musik yang kita dengarkan.  Tidak harus menulis indah seperti sastra ujarnya, tapi paling tidak musisi tidak lagi bingung atau kesulitan untuk membicarakan musik yang ia dengar.

Kalau kita ingat-ingat kembali, seberapa sering kita ditanya bagaimana musik si musisi A? Atau bagaimana kesan kita akan permainan seseorang ataupun musik dalam album yang baru kita beli? Pertanyaan ini seringkali membuat kita terbata-bata dalam menjawab.

Ia juga menyebutkan perasaan subjektif pun akhirnya juga berperan dalam proses menulis musik. Namun adalah penting mengaitkan objektivitas dengan persepsi perasaan si pendengar ketika mendengar musik tersebut. Ia pun juga tidak menafikkan adanya perbedaan dalam berpendapat, dan menurutnya adalah hal yang lumrah. Yang pasti kita harus mampu mengungkapkan apa yang kita rasakan sehingga orang lain mengerti.

They may or may not agree with you, but at least they know what you reacted to, what it was about the music that you liked, or didn’t like, or felt ambivalent about.

Menarik bukan? Apabila anda ingin tahu lebih lanjut bagaimana Sandow yang juga adalah penggerak artsjournal.com, sebuah media online yang menjadi agregator banyak berita seni duni, mengajar di kelasnya? Ini tulisan lengkapnya.

Pic: http://investing-school.com/wp-content/uploads/2008/11/write-for-us.jpg

Nampaknya minggu ini menjadi minggunya Mendelssohn. Setelah beberapa hari sebelumnya simfoni Mendelssohn ditampilkan, kali ini giliran oratorio pertama dari Mendelssohn, St. Paul yang dibawakan pada konser pada hari Sabtu lalu (15/11). Namun kali ini Jakarta Festival Chorus dan Amadeus Orchestra yang membawakan karya ini dipimpin oleh Lee Chong Min di Aula Simfonia Jakarta.

St. Paul yang kali ini dibawakan dalam versi bahasa Inggris, dibawakan dalam format penuh. Selain paduan suara dan orkes, soprano Chia Yee Yean, mezzosoprano Anna Koor, tenor Ndaru Darsono dan bariton Lee Ta Jen ikut ambil bagian sebagai solois dalam konser itu.

St. Paul sendiri sebagai karya oratorio pertama Mendelssohn yang dipremierkan pada tahun 1836, menggambarkan secara jelas kekaguman Mendelssohn pada komposer era sebelumnya seperti Bach dan Handel. Secara keterampilan jelas sekali Mendelssohn telah mampu mengangkat konsep-konsep lama dan menjadikannya miliknya sendiri, warna-warni musik era sebelumnya menghiasi banyak bagian dari karya.

Amadeus Orchestra membawakan karya ini dengan baik. Seperti biasa seksi gesek orkes ini terdengar matang dan cukup bertenaga, kerapihan di seksi gesek dan tiup juga terjaga hampir di sepanjang konser. Kejernihan dan kemilau pun tercipta hampir di sepanjang karya. Memang sempat beberapa kali terdengar lepas tempo dan keraguan, namun setelah satu sampai dua bar semua bisa kembali berjalan dengan baik. Paduan suara juga terdengar sangat rapih dan bersih. Intonasi begitu terjaga, juga dengan warna yang senantiasa konsisten.

Anna Koor tampil dengan prima malam itu, begitu juga Chia Yee Yean. Ndaru Darsono sebenarnya tampil memukau. Di babak awal ia masih mampu memberikan yang terbaik namun memasuki bagian kedua, nampak bahwa ia sebenarnya dalam kondisi yang tidak begitu prima sehingga mengalami kendala pada produksi vokalnya. Lee Ta Jen sendiri nampak meyakinkan walaupun proyeksinya tidak cukup besar dan jelas untuk ruang konser yang berkapasitas 1200 orang tersebut.

Harus diakui bahwa pagelaran kemarin walaupun terdengar luar biasa rapi dan kompak, namun kesan monoton tidak bisa dihapuskan begitu saja. Lee Chong Min tampak sangat memperhatikan intonasi, kepadatan suara dan dinamik, tetapi kurang memperhatikan perlunya diversifikasi dalam melakukan pendekatan karya. Dinamik pun terkesan monoton karena kurangnya pengarapan yang mendetail dan memberikan penekanan dan fokus pada unit-unit terkecil pada setiap kalimat, termasuk didalamnya artikulasi pengucapan.

Pembawaan yang sangat mirip untuk setiap nomor dari 45 nomor dalam St. Paul ini agaknya sangat melelahkan, terlebih untuk karya yang begitu panjang. Beruntung memang dinamika yang tertulis masih mampu diwujudkan, namun ketika karya hanya sebatas dinamika dasar dari pianissimo hingga fortissimo, cresendo dan decresendo, akhirnya karya terdengar begitu lamban dan tawar. Orkes dan solois lah yang pertama mencoba mendobrak dengan permainan yang lebih berwarna dan lebih temperamental. Namun akhirnya selalu tersedot kembali untuk kembali mendatar. Harus diakui, eksplorasi ini jauh lebih sulit karena memang karya Mendelssohn ini cenderung lebih terjaga.

Sebuah tantangan besar untuk bisa membawakan sebuah karya besar, dengan panjang yang juga tidak main-main. Pendekatan yang terfokus selalu merupakan hal yang baik, tapi apa bila fokus yang terjadi hanya menyebabkan kemonotonan. Tanpa ada ekspresi yang jelas, semuanya tampak kabur. Jelas untuk karya Mendelssohn seperti St. Paul ini, kebebasan yang terarah sungguh dibutuhkan. Apabila tidak, akhirnya memang musiklah yang paling dirugikan.

Adalah suatu kesimpulan logis, W.A. Mozart disandingkan dengan F. Mendelssohn. Keduanya sudah memperlihatkan bakat musik yang luar biasa sejak kecil, itulah yang membuat orangtua keduanya berkomitmen untuk mengembangkan bakat mereka. Di usia muda mereka telah tumbuh matang sebagai musisi dan komposer, menghasilkan karya-karya yang luar biasa. Mereka pun tenar semasa hidupnya di tengah masyarakat di zaman masing-masing. Pun keduanya meninggal sebelum usia mereka genap 40 tahun, meninggalkan kesan bahwa mereka belum sempat menunjukkan kualitas dan masa keemasan mereka dalam bermusik.

Mungkin inilah yang ada dibenak Hikotaro Yazaki ketika menyusun konser malam kemarin (12/11). Program disusun secara simetris, di awal babak pertama Mozart diketengahkan bersama dengan karya Overture dari ‘Cosi fan Tutte’ dan Flute Concerto no.1 KV 313. Di babak kedua giliran Overture ‘The Hebrides’ dan Symphony no.4 op. 90 yang berjuluk ‘Italian’ dari Mendelssohn.

Marini Widyastari, flutis dari Nusantara Symphony Orchestra sendiri yang menjadi solois pada konser hari ini. Walaupun masih membuka partitur, tampak sekali bahwa Marini menguasai karya tersebut. Penuh dengan not-not pendek dan arpeggio, Marini mampu menganyam nada menjadi satu kesatuan utuh disertai dengan sentuhan yang baik. Meskipun belum terkesan padat, flutis yang mengenyam pendidikan di Northern College of Music, Manchester ini mampu memberikan gambaran dan bingkai yang cukup jelas akan keseluruhan karya.

Walaupun demikian, nampaknya dari sisi orkes belum bisa mengimbangi Marini. Terlihat seluruh orkes masih menebak-nebak arah dari karya, bahkan unit-unit kecil seperti arah kalimat masih terlihat belum terpegang seluruhnya.  Karya Mozart yang membutuhkan ketelitian tinggi jelas tidak memperlihatkan bentuk arsitektur yang kokoh. Intonasi dan artikulasi pun menjadi masalah yang cukup pelik. Akhirnya memang terjadi ketimpangan antara solois dan orkes.

Di babak kedua orkestra yang rutin berkonser di Jakarta ini menunjukkan tanda-tanda perbaikan. Mungkin ini lebih disebabkan karena karya Mendelssohn yang lebih deskriptif dibandingkan dengan karya-karya Mozart. Walaupun sempat ragu di beberapa birama pertama Overture ‘The Hebrides’, orkes tampak lebih mampu menguasai keadaan dan juga permainan menjelang akhir karya. Symphony pun akhirnya dapat dibawakan dengan lebih maksimal.

Harus diakui bahwa konser kali ini orkes tidak tampil seprima biasanya, walaupun ada kekhususan pada konser ini seperti pada konser sebelumnya, NSO mengusung solois lokal.

Kabar pun berhembus bahwa kurang siapnya NSO kali ini disebabkan permasalahan yang juga terjadi di Jakarta beberapa hari ini yang menyebabkan gangguan aktivitas latihan orkes, yaitu pemadaman listrik. Walaupun demikian, ini seharusnya bukanlah alasan. Pada akhirnya dunia seni pertunjukan memang agak kejam, segalanya akan terlihat dengan jelas dan dinilai berdasarkan penampilan di atas panggung.

Honolulu Symphony Orchestra akhirnya menyerah kalah pada terpaan krisis finansial. Sebagai orkes tertua di belahan barat AS akhirnya menyatakan akan membatalkan seluruh programnya di tahun 2009 ini. Sedang keberlangsungan program di tahun 2010, masih menjadi tanda tanya besar.

Walaupun seluruh musisi telah sepakat untuk memotong gaji mereka di awal musim pertunjukan ini demi keberlangsungan orkes yang berusia 109 tahun ini, namun tampaknya inisiatif tersebut tidak dapat menunda runtuhnya orkes ini.

Untuk efisiensi, Honolulu Symphony Orchestra memutuskan untuk merumahkan 32 musisi dari seluruh 80-an musisi tetap mereka dan juga merumahkan 16 dari 22 staf administrasi organisasi ini. Entah orkes apa lagi yang akan bertumbangan.

Kabar lengkap dari HonoluluAdvertiser.com

Another version of operatic Rice Krispies commercial. The language is not quite compatible, but it’s worth the try.

Ketika musik menjadi milik sebagian orang, saat itu musik mati.

Itulah kesimpulan yang saya ambil. Tapi memang demikian adanya. Terlalu terus terang? Tapi memang demikian kenyataannya. Toh pada akhirnya eksklusivitas hanya akan membunuh seni itu sendiri.

Harus kita sadari bahwa kesan eksklusif selain bersarang pada banyak penikmat, ternyata juga banyak murid-murid musik klasik yang juga memegang eksklusivitas tersebut. Contoh termudah adalah masih banyak murid-murid musik yang menutup diri dari musik lain, padahal seringkali musik itu tetap musik klasik tapi hanya berbeda instrumen.

Tapi memang kenyataan bahwa seringkali kita mendapati bahwa musisi muda ini kadang memang didorong untuk menyaksikan pertunjukan musik, tetapi banyak yang menafsirkannya untuk menyaksikan pertunjukan yang menyangkut alat musik yang dimainkannya sendiri.

Nyatanya memang kita melihat hal yang demikian. Resital-resital vokal kebanyakan disaksikan oleh mereka yang belajar vokal. Resital piano apabila disaksikan pelajar musik, pasti kebanyakan adalah pelajar piano. Juga halnya dengan instrumen lainnya. Jarang sekali kita bisa menemukan irisan penonton, misal antara resital gitar dengan sebuah konser paduan suara, keduanya adalah dunia yang sepertinya sama sekali berbeda.

Lucu, karena sebenarnya keanekaragaman ini yang kita butuhkan, bahwa musik yang bisa menjangkau lebih banyak orang adalah lebih baik. Cakupan pendengar pun menjadi semakin luas. Namun rupanya penonton yang menggunakan kacamata kuda ini seringkali tidak mau untuk menghargai suatu hasil karya yang berbeda dari yang biasanya mereka temui. Akhirnya yang muncul adalah suatu eksklusivitas pada ‘mahzab’nya masing-masing. Tidak sering eksklusivitas ini sudah mengarah ke fanatisme sempit pada suatu instrumen tertentu.

Dampak yang terjadi adalah semakin sempitnya pemahaman seseorang terhadap musik secara utuh dan akhirnya mengurangi kemampuan apresiasi musisi itu sendiri terhadap bunyi-bunyian dengan natur yang berbeda. Dan karenanya bahkan banyak diantara pelajar-pelajar seni ini tidak pernah menyentuh bentuk seni yang lain seperti seni rupa, seni tari, seni sastra dan lainnya. Betapa miskinnya seni dan senimannya apabila itu yang terjadi.

Tidak heran ada fanatisme-fanatisme lain yang terjadi. Toh dari hal yang mendasar seperti instrumen saja ada fanatisme, apalagi apabila sudah menyentuh profesionalitas dan paradigma. Pasti lebih menggila lagi.

Jadi, jangan heran apabila musik tidak berkembang. Instrumen saja bisa membuat perpecahan di antara pemusik. Apalagi yang lain?

Picts:

• http://www.cartoonstock.com/lowres/rde0020l.jpg
• http://i.ehow.com/images/GlobalPhoto/Articles/2128291/EiteljorgMuseum-main_Full.jpg

The famous natural noise in an concert, now is the music itself. Wonderful. Again by Alexey Igudesman and Gürtler.

~dari npr

Apa artinya apabila sebuah komputer mampu mengidentifikasi kualitas sebuah karya seni? Ya, baru-baru ini memang muncul program untuk mengenali apakah suatu lagu dapat dikategorikan sebagai lagu bagus dan juga laku di pasaran.

Ya, sebuah perangkat lunak sekarang mampu menganalisa suatu lagu dan menilainya apakah lagu tersebut akan laku atau tidak. Perangkat lunak itu sendiri membandingkan sifat-sifat dari karya itu dengan ribuan lagu-lagu yang sempat merajai tangga lagu di masa lalu. Dengan kekuatan komputasi, program tersebut akan memberikan rating apakah sebuah lagu layak laku di pasaran.

Terdengar sederhana dan tak berbahaya, tapi tampaknya tidak demikian. Walaupun banyak orang menulis musik untuk mendapatkan keuntungan dari penjualan musik tersebut dan tentunya dengan sistem ini, mereka akan terbantu; namun pada umumnya musik bukanlah sesuatu yang dengan mudahnya dihakimi baik-buruk berdasarkan perhitungan matematis seperti itu.

Perhitungan berdasarkan musik-musik populer pada akhirnya akan menghasilkan musik-musik yang populer yang sebenarnya hanya merupakan turunan belaka dari musik-musik terdahulu yang menjadi acuan. Dan akhirnya hanya sebuah pengulangan-pengulangan yang tidak berarti di sisi inovasi musikal. Pada akhirnya mesin seperti ini memang tidak bisa memprediksi sebuah karya dengan potensi tinggi di pasar namun memiliki ciri yang berbeda sebagai hasil dari kreativitas berani komponisnya.

Pertanyaannya sekarang adalah apakah kita ingin menyerahkan kreativitas dan inovasi yang kita lahirkan pada sebuah perhitungan mesin? Ataukah kita ingin menyerahkan selera musik kita hanya pada perhitungan rating musik dengan angka 1-10?

Karena kala itu terjadi, musik populer sudah jatuh ke tangan mesin.

~ jadi ingat terminator 3

pict:

http://www.fisk.edu/images%5Ccomputerscience%5Cmain1.jpg

http://cache.gizmodo.com/assets/resources/2007/12/Terminator_Robot.jpg

]]> http://mikebm.wordpress.com/2009/10/27/ketika-lagu-bagus-dirating-komputer/feed/ 5 michael boolean numbers Terminator_Robot http://mikebm.wordpress.com/2009/10/23/sing-sing-sing/ http://mikebm.wordpress.com/2009/10/23/sing-sing-sing/#comments Fri, 23 Oct 2009 00:58:01 +0000 mikebm http://mikebm.wordpress.com/?p=2376 ]]>

Wonderful jokes about singers…. And somewhat in jokes you always see a glimpse of truth behind it, and that’s why it’s funny…

What’s the difference between a Wagnerian soprano and a Wagnerian Tenor?
About 10 pounds.

How do you tell if a Wagnerian soprano is dead?
The horses seem very relieved.

What’s the definition of an alto?
A soprano who can sightread.

from http://www.mit.edu/~jcb/jokes/#violin

~foto masih dalam proses request ke panitia, karena tidak boleh foto di dalam gedung, sudah temu muka dan kirim email tapi panitia sama sekali belum merespon…

Latihan Kamis

Memang benar, akhirnya Jakarta memiliki sebuah ruang konser yang representatif. Ya, Aula Simfoni Jakarta akhirnya dibuka untuk umum sejak Sabtu kemarin melalui rangkaian Konser Inaugurasi yang sedianya akan dilaksanakan sampai dengan tanggal 24 Oktober ini.

Gedung mulai dibangun sejak tahun 2004 ini membuktikan diri bahwa kualitasnya memang satu kelas di atas rata-rata gedung serupa dengan kapasitas sekitar 1200-an tempat duduk di Jakarta. Dengan kapasitas yang nyaris penuh malam itu terbukti bahwa aula tersebut memiliki akustik yang baik.

Seluruh gedung yang didominasi warna coklat kayu memang terasa hangat di mata. Tidak berhenti di situ saja, pelapisan kayu pun juga menjadi media refleksi suara yang baik. Yang istimewa dari aula yang didesain oleh Pdt. Stephen Tong ini adalah hampir seluruh interior dilapisi oleh lapisan kayu, dari langit2, dinding dan juga lantai. Semuanya ini menambah reverberasi gedung secara keseluruhan. Alhasil, suara dari panggung pun terdengar hangat dan tetap terjaga detailnya di kejauhan dan hampir sama di setiap sudut.

Dihiasi foto2 besar para komposer kenamaan musik, dan juga patung-patung keemasan semakin mempertegas pengaruh banyak gedung-gedung konser di dunia. Patung-patung keemasan yang mengisi setiap sudut ruang konser mengingatkan penulis pada Boston Symphonic Hall dan Wiener Musikverein.

Di setiap sudut yang sama juga terpampang foto-foto komposer besar musik yang namanya terus kita dengar sampai dengan hari ini. Dengan ukuran yang cukup besar dan mampu dilihat oleh kebanyak penonton gedung, lukisan-lukisan ini mengingatkan kita semua pada gedung konser di Konservatorium Moskow yang juga memampangkan banyak imaji komposer-komposer terkemuka.

Tidak lupa dengan organ pipa yang yang saat ini masih langka ditemukan di Indonesia. Dilengkapi dengan 3.217 buah pipa suara, organ pipa ini menjadi organ pipa pertama yang melengkapi sebuah ruang konser di Indonesia, menjadikan gedung konser ini benar-benar lengkap seperti kebanyakan gedung konser dunia.

Konser Inaugurasi

Jessie Chang, seorang pianis kelahiran Taiwan yang membawakan ‘Emperor’ Piano Concerto no.5 dari Beethoven, bermain dengan luar biasa, penuh gelora, dengan tone dan warna suara yang juga sangat kaya. Jessie sendiri mengambil pendekatan karya yang cukup konvensional namun selalu dieksekusi dengan tepat dan meyakinkan, menjadikan karya terdengar dengan karakter yang mendalam namun dekat dengan pendengarnya.

Jahja Ling secara umum menguasai benar orkestra malam itu. Di bawah pimpinannya, orkes terdengar sangat hidup dan bersemangat seakan berubah menjadi orkes yang begitu bersinar. Seksi tiup yang sangat berhati-hati dan penuh perhitungan dipadu dengan seksi gesek yang bermain lepas namun tetap terarah; semuanya merupakan bentuk nyata dari kepemimpinan Jahja yang memandu seluruh karya dengan apik.

Di babak kedua giliran Magnificat dari Bach dan Stephen Tong yang memimpin. Sebuah pemilihan karya yang luar biasa, kali ini orkes didukung Jakarta Oratorio Society dan 5 orang soli. JOS tampil dengan lebih dari 100 personel, jumlah yang sebenarnya terlampau banyak untuk sebuah karya jaman barok. Akan tetapi sangat terasa jelas kemegahan karya itu, walaupun harus dikatakan untuk memimpin gerombolan musisi dan penyanyi sebanyak itu sangat tidak mudah. Stamina dan presisi pun bisa menjadi korban.

Solois pun tampil dengan prima, Chen Yong Chen dan Dan Decker adalah beberapa di antaranya. Huang Wei dan Anna Koor serta Elsa Pardosi mengambil pendekatan karya yang cukup unik. Tampil dengan teknik bel canto yang mencolok, sungguh Huang memiliki instrumen yang baik walau sedikit kurang cocok untuk karya Bach.

Namun demikian secara umum, banyak yang ditunggu dari Aula Simfonia Jakarta. Apalagi dengan bertambahnya usia, gedung yang memang penuh dengan unsur kayu ini akan semakin matang secara akustik. Dan yang pasti dengan adanya Aula Simfonia Baru ini, kita berharap semakin semarak dunia musik sastra kita. Semoga.

~terinspirasi dari link rio di fb

Semangat UU tentu jelas, tapi apakah memang diperlukan?

Setelah sekian lama saya melihat kembali video yang sebelumnya sempat membuat diri ini bertanya-tanya, sebuah video yang menayangkan sekelompok orang Indonesia di negeri Belanda menyanyikan lagu Indonesia Raya di hadapan warga lansia di sana. Yang cukup mencengangkan adalah bagaimana lagu ini dinyanyikan, aransemen empat suara diiringi piano.

Seperti kebanyakan dari kita ketahui, mengaransemen lagu kebangsaan Indonesia Raya tanpa izin pemerintah adalah sebuah pelanggaran Undang-undang 24 Tahun 2009 tentang Bendera, Bahasa, Lambang Negara dan Lagu Kebangsaan. Sampai saat ini Pemerintah hanya memperbolehkan lagu Indonesia Raya dinyanyikan satu suara. Dari segi pengiring pun sebenarnya hanya ada beberapa aransemen resmi Indonesia Raya, yang populer adalah versi piano oleh komposer Amir Pasaribu dan versi simfonik karya seorang Belanda Jos Kleber.

Sebenarnya dilihat dari semangat, UU ini sebenarnya sangat baik. ada keinginan pemerintah untuk melindungi serta menjaga kemurnian lagu yang diciptakan Wage Rudolf Supratman ini. Undang-undang inilah yang sebenarnya berperan menjaga kehormatan lagu kebangsaan kita dan juga menjaga lagu sehingga tetap seperti yang kita kenal sekarang. Saking ketatnya, beberapa pihak sempat terkejut beberapa waktu lalu ketika mendengar lagu kebangsaan kita memiliki 3 bait.

Namun demikian peraturan ini sebenarnya juga pedang bermata dua. Menutup akses pengrusakan sebenarnya secara tidak langsung juga menutup akses kreativitas. Bukan berarti kreativitas identik dengan pengrusakan, akan tetapi kretivitas selalu memiliki makna perubahan.

Di mata Undang-undang ini kretivitas ini bisa dilihat dari kacamata pengrusakan dan bahkan perendahan harkat dan martabat bangsa. Mengaransemen ulang lagu ini tanpa mengubah keseluruhan lagu juga bisa dianggap sebagai pelangaran hukum, misalkan untuk dimainkan oleh ensemble tiup. Akhirnya yang terjadi adalah pengkultusan lagu kebangsaan tersebut.

Di balik ini semua, sebenarnya ada beberapa isu yang perlu kita sorot: Bahwa sebenarnya pemerintah kita, bahkan sampai di tahun 2009 ini masih melihat bangsa Indonesia belum dapat bersikap dewasa, termasuk para senimannya. Dan tampaknya pemerintah memang melihat bahwa kebebasan untuk mampu mengapresiasi musik kebangsaan secara baik ternyata belum hadir di hati bangsa tercinta ini. Buktinya, kita masih perlu dilarang dan diatur soal itu.

Terlepas dari semuanya, kita pun patut berkaca apakah kita layak mendapatkan kepercayaan sekaligus kebebasan tersebut? Apakah kita mampu menggunakan kreativitas kita untuk menghargai dan kemudian membangun lagu kebangsaan kita.?Ataukah banyak yang akan kebablasan menggunakan kebebasan tersebut? Apakah kita akan mendengar lagu kebangsaan dinyanyikan dengan bangga di atas gitar seorang pengamen?

Kenyataan di lapangan memang cukup pahit. Di acara perkumpulan yang cenderung resmi, penulis pernah mendapati lagu kebangsaan tidak dinyanyikan dengan benar. Adapula ketika Indonesia Raya dinyanyikan pada acara-acara, masih banyak orang yang tetap asyik dengan dirinya sendiri dan tidak menunjukkan penghormatan yang layak. Di kala lain, banyak mereka yang asyik mengobrol ketika lagu kebangsaan dikumandangkan. Tidak percaya? Lihat saja upacara-upacara bendera di sekolah-sekolah kita saat ini.

Memang, keadaannya demikian. Kecintaan terhadap bangsa dan negara tidak bisa diukur sama pada setiap orang. Akan tetapi suatu harapan sebenarnya akan muncul di hati, kami juga butuh kebebasan dan kreativitas untuk mengapresiasi dan menghormati lagu kebangsaan kita, karena apresiasi dan rasa memiliki adalah sesuatu yang personal. Dan semoga ulah kurang ajar dari beberapa orang yang tidak menghormati lagu kebangsaannya sendiri, tidak dijadikan stereotipe khalayak kebanyakan di Indonesia.

Pada akhirnya kita sendirilah yang menentukan, apakah kita layak berkreasi dan terus menghormati lagu kebangsaan Indonesia Raya yang kita cintai ini.

pict : http://sylvietanaga.files.wordpress.com/2008/08/indo-flag1.jpg

Hari ini akan menjadi hari pembuka Aula Simfonia Jakarta, sebuah aula pertunjukan baru yang disebut-sebut sebagai auditorium pertama di Jakarta yang dikhususkan bagi pentas musik klasik, khususnya musik simfonik. Jakarta boleh kembali berbangga bahwa ada pihak-pihak swasta yang begitu peduli pada perkembangan musik simfonik dan membangun auditorium tersebut.

Menampung sekitar 1000 orang ruangan ini mengambil konsep gedung klasik shoe box karena bentuknya yang persegi. Walaupun demikian, dibagian belakang dipenuhi dengan tempat duduk bertingkat/ terraced. Selain dari depan, di sisi kanan dan kiri dirancang sedemikian rupa supaya juga dapat menampung penonton.

Dipernis 100% dengan kayu, akustik di gedung ini pun cenderung lebih hangat dari kebanyakan gedung konser dan pertunjukan di Jakarta. Saat latihan kemarin, akustik terdengar jelas dan mampu mempertahankan proyeksi dengan baik. Walaupun demikian kita masih belum dapat 100% memutuskan kualitas akustik gedung ini sampai benar2 terisi oleh para penonton, karena jumlah penonton yang hadir di sana tentu sedikit banyak akan mempengaruhi gaung ruang tersebut.

Yang membuat berbeda adalah gaya arsitektur yang diambil. Ketika hampir seluruh gedung konser di dunia memilih untuk mengusung gaya modern minimalis, Aula Simfonia yang akan menggelar konser perdananya malam ini dipenuhi dengan ornamen-ornamen gaya renaisans berwarna keemasan, dan dipenuhi dengan potret-potret komponis ternama. Mungkin gaya ini mengacu pada gedung-gedung pertunjukan di Eropa dan Amerika yang dibangun sekitar 2 abad lampau seperti Musikverein Vienna, dan Symphonic Hall di Boston.

Megah dan besar, mari kita berharap gedung ini pun mampu memberikan kontribusinya bagi perkembangan seni pertunjukan di Indonesia. Karena memanage sebuah gedung konser adalah sebuah tantangan besar setelah tentunya membangun gedung yang representatif itu sendiri.

]]> http://mikebm.wordpress.com/2009/10/16/mengintip-aula-simfonia-jakarta/feed/ 15 michael Aula Simfonia3 http://mikebm.wordpress.com/2009/10/15/301-post-angka-kecil-untuk-mimpi-besar/ http://mikebm.wordpress.com/2009/10/15/301-post-angka-kecil-untuk-mimpi-besar/#comments Thu, 15 Oct 2009 04:26:14 +0000 mikebm http://mikebm.wordpress.com/?p=2346 ]]>

Tidak terasa tulisan kemarin sudah memasuki tulisan ke 301 dari blog ini. 301 bukan jumlah yang sedikit, tetapi juga bukan jumlah yang banyak.

Dalam hampir 2 tahun blog ini dimulai, sudah beribu kata dilontarkan untuk menggambarkan betapa banyak harapan dan angan yang ter banyak sekali harapan dan juga angan-angan yang sudah terealisasi. Namun tidak sedikit juga yang masih belum tercapai.

Walau demikian besar harapan bahwa melalui sedikit tulisan dan mungkin mimpi ini dunia musik di Indonesia akan semakin berkembang. Muluk mungkin, tapi saya yakin, bahwa sesedikit apapun kontribusi kita, setiap kita berperan dalam berbagai perubahan yang ada. Maka dari itu masukan dari Anda akan sangat berharga.

Semoga tulisan dan post tidak berhenti sampai di angka 301 ini saja, tetapi sungguh dapat terus berjalan. Juga semoga kita semua dapat memandang musik bukan hanya sekedar pemuas nafsu belaka, tetapi dapat lebih mampu melihatnya secara lebih intelek dan cerdas. Semoga blog ini dapat menampung sedikit dari keluh kesah kita semua yang mencoba terus berjalan seiring dengan dunia dan musik yang juga senantiasa berubah. Semoga…

]]> http://mikebm.wordpress.com/2009/10/15/301-post-angka-kecil-untuk-mimpi-besar/feed/ 0 michael http://mikebm.wordpress.com/2009/10/12/sebuah-perjalanan-bertabur-bintang/ http://mikebm.wordpress.com/2009/10/12/sebuah-perjalanan-bertabur-bintang/#comments Mon, 12 Oct 2009 00:01:50 +0000 mikebm http://mikebm.wordpress.com/?p=2319 ]]>

Ketika banyak pertunjukan mencoba mengusung banyak karya-karya yang belum pernah dibawakan sebelumnya, di malam Minggu ini Susvara Opera Company malah berusaha membawakan kembali karya-karya pilihan yang pernah mereka bawakan sebelumnya dalam berbagai pertunjukan sepanjang 30 tahun perjalanan sejarahnya. Il Viàggio dell’Opera, perjalanan opera memang menggambarkan perjalanan Susvara sebagai salah satu pilar pertama pertunjukan opera di Jakarta.

Pergelaran kali ini mengangkat banyak cuplikan opera-opera ternama seperti Fidelio, Le Nozze de Figaro, La Gioconda, Die Zauberflöte, La Boheme, Norma dan banyak opera lainnya. Banyak penyanyi yang terlibat di dalamnya, juga beberapa pengiring yang semuanya berkolaborasi untuk mendukung acara ini. Pianis terkemuka Adelaide Simbolon adalah salah satunya.

Namun yang menjadi sorotan malam itu adalah Aning Katamsi dengan aria yang menyentuh Senza Mamma dari opera Suor Angelica karya Puccini. Sungguh, sebagai penutup bagian pertama pertunjukan Aning sunggu mengangkat tinggi tensi acara dengan magnetnya yang begitu kuat. Interpretasi dan penghayatan yang mendalam menyedot penonton tenggelam ke dalam dunia Angelica. Efeknya begitu terasa bahkan hingga masuk babak kedua. Mencengangkan.

Di babak kedua Binu Sukaman juga tampil dengan memukau, berduo dengan Aning, dan diiringi Adelaide, adalah sebuah kesempatan yang jarang bisa disaksikan dua orang diva Indonesia menempati panggung yang sama dan berduet bersama. Harus diakui saat ini memang merekalah soprano hasil didikan dalam negeri yang cemerlang.  Binu dengan suara yang dramatis membawakan Norma dengan penuh gairah. Keduanya berkolaborasi dalam duet Mira, O Norma dari opera karya Bellini Norma.

Secara umum tampak bahwa kebanyakan penyanyi agak telat panas. Memasuki babak kedua dengan aura yang sudah begitu naik di akhir babak pertama, seluruh penampil memasuki performa terbaik mereka. Penjiwaan jadi jauh lebih baik dan secara umum pembawaan pun juga menjadi lebih lancar dan memukau.

Ferry Chandra dan Sri Muji Rahmawati terdengar cukup maksimal, juga Ahimsa yang juga lebih matang. Charles Nasution juga Christine Lubis pun juga terdengar lebih mantap dengan proyeksi yang baik. Pianis Priska Budiharjo, Teo Minaroy, Aditya Setiadi dan Celine Meirani juga berhasil dengan cukup baik membawakan karya. Sensitifitas dan drama juga terdengar bersemi dengan cukup jelas.

Hanya saja terdapat ganjalan terutama di bagian paduan suara yang secara produksi suara masih terdengar tegang dan kurang merata. Paduan suara Studio Cantorum dan Susvara Opera Company,  seharusnya tidak boleh melepaskan pentingnya peranan konduktor dalam menentukan tempo dan tanda masuk. Tanpa konduktor alhasil kolaborasi pun kurang pas dengan para pengiring, kejar mengejar. Suatu hal yang disayangkan.

Namun yang pasti acara ini adalah salah satu medium untuk lebih memasyarakatkan seni pertunjukan opera. Dan terlebih lagi suatu kesempatan bagi bibit-bibit muda untuk mulai berkarya dan mencicipi pengalaman di depan panggung.

Sayang sekali Susvara harus menjadwal ulang pagelaran opera secara penuh di tahun ini. Yang pasti publik Jakarta  masih menantikan opera dalam tampilan lengkap seperti La Boheme yang Susvara bawakan hampir 2 tahun yang lalu.

A piece by Aleksey Igudesman & Sebastian Gürtler with the Upper Austrian Youth Orchestra. Quite amazing…

Malam yang berbeda dari sebelumnya. Di Senin malam ini Nusantara Symphony Orchestra mengetengahkan solo piano Aryo Wicaksono yang bersama konduktor Hikotaro Yazaki membawakan Piano Concerto no. 3 karya Sergei Prokofieff.

Aryo Wicaksono, pianis Indonesia yang kini menetap di AS, memang lokomotif  musik yang luarbiasa. Ia membabat seluruh rangkaian musik yang begitu menantang secara teknis dengan konsentrasi penuh.  Ia tidak terjebak pada aspek teknis semata namun memberikan warna dan fokus yang begitu kuat dan logis dalam karya yang ditulis komposer yang lahir di tahun 1891. Ia pun menerima sambutan yang begitu meriah dan didaulat untuk membawakan sebuah encore. Kali ini ia Liebestood Wagner yang ditranskripsi oleh Liszt yang dibawakan dengan teknik tinggi, bertenaga, namun begitu manis, sungguh memukau.

Namun yang sesungguhnya luar biasa adalah keseluruhan program pada malam itu.

Nusantara Symphony Orchestra malam itu mengawali pagelaran dengan Air on G yang syahdu karya Bach sebagai ungkapan pesan keprihatinan terhadap korban gempa di Sumatera, sebuah pengingat bahwa dunia seni juga bertautan erat dengan dunia di sekelilingnya.

Quartettino karya komposisi kontemporer asal Jepang Susumu Yoshida dipilih sebagai karya pembuka ,dilanjutkan dengan Piano Concerto no.3 dari Prokofieff. Konser kemudian ditutup dengan karya Tchaikovsky, Symphony no.5. Perlu dicatat, kesemua karya ini adalah kali pertama dipertunjukkan di Indonesia.

Secara umum orkes bermain dengan semangat yang membara. Seksi tiup kali ini berhak mendapat pujian karena begitu hidup, lentur dan sesekali bertenaga. Sayangnya, seksi gesek tidak mampu membungkus seksi tiup dengan memadai, terutama dari segi proyeksi suara. Harus diakui bahwa akustik Balai Sarbini tidak begitu ramah dengan seksi gesek  orkes yang memang secara ukuran termasuk kecil untuk mementaskan karya Prokofieff maupun Tchaikovsky. Walau demikian, luapan semangat seluruh musisi malam itu terasa sangat, juga determinasi para pemusik untuk memberikan yang terbaik begitu jelas terlihat.

Kebulatan hati dari Nusantara SO untuk membawakan seluruh program malam ini juga menjadi titik tolak yang penting. Baik konserto maupun simfoni yang dibawakan merupakan karya yang menantang bagi orkestra, suatu lompatan bagi orkes yang manajemennya saat ini dipimpin oleh Miranda Goeltom. Dengan sebuah konser ini saja, kembali penulis diingatkan kembali bahwa NSO adalah orkes muda yang saat ini masih akan terus tumbuh.

Mengangkat sebuah karya musik baru sebagai pembuka konser merupakan sebuah langkah yang berani sekaligus mendobrak. Quartettino menandakan bahwa NSO sebagai suatu entitas musik akan bergabung dengan mainstream orkes besar dunia dengan memberikan perhatian khusus bagi musik baru.

Semoga saja publik Indonesia pun juga semakin menyadari bahwa musik seni saat ini masih terus berkembang, berkreasi, dan melihat ke depan.

~ dari sini dan sini

A year ago, I wrote about the importance of safety in the world of performing arts. And we face many challenges applying the right safety measure in the world of performing arts, including music.

David Ott, a composer and conductor, tried to retrieve his score from the stand, and he fell 14 feet down to the basement of orchestra pit. The orchestral pit was raised to stage level at the rehearsal and was removed after the rehearsal. Yet after the rehearsal ended – in the dark, Ott tried to find his score from the stage but fell directly and landed on his back, breaking 9 vertebrae, dislocating a shoulder and injured an angkle. He assumed that the riser had not been removed.

A month ago soprano Ana Maria Martinez gave a surprising drama at Glyndebourne. At the end of first act of Antonín Dvorak’s opera, Rusalka, Martinez was tripped on stage props as she tried to move away from her counterpart, tenor Brandon Jovanovich and fell to the pit near the string section. The accident made Martinez rushed to the hospital as a precaution. The interval which was actually scheduled right after the closing of first act, was delayed for another 10 minutes, from 20 minutes to 30 minutes. Yet, the show was continued and the role was taken over by the understudy, Natalya Romaniw.

Whether our performance spaces really meet the minimal standard requirement of safety measures, we still do not really know. But from these incidents we should already learn that where ever you are, safety has to be prioritized, shouldn’t we?

Pict:

http://www.fairjudgement.co.uk/images/stock/slip-trip-fall.gif

Anda sebagai musisi pasti pernah mengalami kejenuhan, dan kejenuhan adalah suatu penyakit yang sebenarnya normal dialami oleh semua orang. Karena penyakit ini begitu lazim, kita pun secara pribadi memiliki cara yang kita anggap efektif untuk mengobatinya. Obat apa yang manjur untuk Anda?

Never thought TV Shows such as Sesame Street showed quite big interest in contemporary music. Here is Sesame Street and Phillip Glass, a wow combination. I wonder we can endorse our current composers using children TV programs such as this.

Q: Why do people tremble with fear when someone comes into a bank carrying a violin case?  
A: They think he’s carrying a machine gun and might be about to use it. 
Q: Why do people tremble with fear when someone comes into a bank carrying a viola case?  
A: They think he’s carrying a viola and might be about to use it. 

A man and his son were walking through a cemetery. The boy asked, “Daddy, do they bury two people in the same grave?”
The father said, “Two people? Let me look.”
So the father took a look, and sure enough, the marker said, “Here lies a symphony conductor and a humble man.”

Q: Christopher Hogwood, Daniel Barenboim, and Neville Mariner are all on the same plane when it ditches in the middle of the Atlantic Ocean. Who is saved?
A: Mozart

Taken from http://suewidemark.com/violinjokes.htm

New York Philharmonic baru saja mengadakan konser perdana di tahun pertunjukan yang baru 2009-2010 yang sekaligus merupakan penampilan perdana Alan Gilbert sebagai direktur musik NY Phil. Namun bukan hal ini yang ingin saya soroti, tapi bagaimana media massa di AS sana menanggapi konser tersebut lewat ulasan-ulasannya.

Ulasan-ulasan tersebut pun cukup beragam, ada yang memuji, ada yang menyayangkan, ada yang kurang terpuaskan. Silakan dibaca di sini:

• Blog Opera Chic
• Blog Washington Post
• Blog LA Times
• Artikel NY Times

Tulisan-tulisan ini adalah kesan hanya terhadap satu buah konser yang memang cukup monumental untuk belantara musik klasik AS. Tapi yang sebenarnya menarik untuk disimak adalah banyaknya media maupun perorangan yang peduli dan  berbaik hati menuliskannya untuk sarana diskusi bersama baik di artikel NY Times ataupun di blog-blog wartawan dan juga blog musisi. Tentunya kekayaan dan kepedulian seperti ini yang membuat kita iri.

Sekarang, apakah kita mampu menggeliatkan dunia jurnalisme musik di Tanah Air? Baik menggenjot pemahaman dan apresiasi seni lewat tulisan maupun memaklumi perbedaan pendapat itu sendiri? Atau banyak dari kita merasa berjalan sendiri-sendiri tanpa ada yang mau berdiskusi? Mari kita menjawabnya bersama…

Picture:
LA Times

You Might Be a Musician if…

• your heros are Palestrina and Mussorgsky.
• you can sing all of Beethoven�s Fifth Symphony.
• you begin conducting with a piece of uncooked spaghetti.
• you can describe two differences between opera and oratorio.
• you can play more instruments than the average person can name.
• you try to figure out what song is printed on cute music mugs you see in stores.

taken from http://www.workjoke.com/musicians-jokes.html

~terinspirasi dari sini dan sini

Menjadi seniman profesional selalu menjadi bayangan dan impian yang begitu mengundang. Tapi dari sekian banyak mereka yang terjun ke dunia profesional hanya sedikit yang mampu tetap mempertahankan suatu kualitas dunia amatir. Pasti kita banyak bertanya-tanya, kualitas apa itu yang sampai-sampai seorang profesional saja sulit untuk merawatnya?

Kita ketahui dengan pasti, menjadi seorang profesional di bidangnya berarti mendevosikan waktu yang mereka miliki dalam bidang yang mereka pilih. Dan hal yang sama juga berlaku bagi para musisi. Mereka yang memilih untuk terjun secara profesional ke dunia musik mendevosikan waktu mereka demi musik.

Dengan memilih terjun ke bidang tersebut berarti mereka membuka kesempatan yang besar untuk berkembang. Adalah harga mati bahwa mereka yang memenuhi hidup mereka dengan bidang yang mereka pilih, cepat ataupun lambat, akan berkembang. Pengalaman sebagai guru yang baik tidak pernah mengkhianati profesional-profesional ini. Senang tidak senang, perkembangan profesional akan lebih signifikan dari mereka yang memilih untuk tidak terjun secara total ke bidang tersebut.

Berkutat setiap hari dalam musik jelas akan mempertajam kemampuan dan insting seseorang dalam bermusik. Semakin lama jam terbang mereka semakin mereka terbiasa dan semakin mereka paham akan dunia tersebut. Problem solving musikal pun menjadi semakin mudah. Dan tentu saja hukum ini tidak hanya berlaku di dunia musik saja bukan?

Tapi dari keseharian dan rutinitas ini ada satu hal yang selalu kurang bagi profesional dan malahan banyak ditemui di dunia amatir. Dan hal itu adalah antusiasme.

Betul sekali, antusiasme. Seiring dengan semakin banyaknya waktu yang diluangkan untuk suatu hal dan semakin hal itu menjadi suatu rutinitas, antusiasme akan semakin berkurang. Inilah yang menjadi titik lemah banyak profesional, termasuk para musisi. Bukan berarti mereka yang bekerja di bidang yang mereka sukai tidak bisa memasuki fase rutinitas. Tentu saja mereka bisa dan inilah yang menjadi musuh bersama.

Ketika seseorang mulai bekerja hanya sebagai sebuah bentuk rutinitas, antusiasmelah yang pertama hilang. Dan hilangnya antusiasme jelas akan berpengaruh pada proses kreatif itu sendiri, sebuah harga yang mahal bagi perkerja seni.

Ajaibnya antusiasme yang tinggi umumnya justru ditemui pada amatir-amatir serius. Mereka yang memilih untuk tidak terjun total tapi dengan setia menyisihkan waktu untuk hobi serius mereka malah kebanyakan memiliki antusiasme yang tinggi. Kadang hobi inilah yang sebenarnya ditunggu-tunggu sepanjang hari.

Inilah yang jadi nilai tambah bagi para amatir yang belum tentu dimiliki oleh para profesional. Kadang kala inilah yang menjadi nilai tambah mengapa banyak profesional yang memilih untuk bekerja sama dengan amatir. Mereka lebih antusias.

Inilah tantangan bagi profesional, untuk terus menggarap antusiasme mereka. Karena sebenarnya antusiasme pun juga salah satu bagian dari profesionalisme. Berat? Tentu saja, Anda profesional bukan?

Pictures:

http://davesoldier.com/photos/SoldierStringQuartet2.jpg

http://www.theatlantic.com/ae/99feb/images/nyphilbg.jpg

Another piece by Igudesman and Joo… Very Turkish March, more Turkish than Mozart would ever write.

Kita seringkali mendengar bahwa menjadi unik adalah cikal bakal dan modal utama seorang seniman. Menjadi berbeda dan mungkin satu-satunya adalah sebuah nilai tambah bagi seorang seniman. Malahan mungkin situasi ini adalah sebuah keunggulan ataupun nilai jual dari seniman tersebut. Namun, sungguhkan menjadi unik dan satu-satunya adalah baik? Jawabannya tidak.

Menjadi yang unik dan satu-satunya bagi seorang seniman adalah sebuah nilai tersendiri, baik berupa nilai tambah, nilai jual dan bahkan kebanggaan. Terlebih ketika seorang seniman selalu dituntut untuk kreatif dan terus berkarya untuk menciptakan sesuatu yang baru, keunikan adalah sebuah keniscayaan yang harus selalu diusahakan. Apabila tidak, maka kesenimanan pribadi tersebut akan terancam.

Tapi menjadi unik dan satu-satunya adalah tanda-tanda kematian dari karya seni tersebut. Apabila suatu bentuk seni hanya berhenti di satu titik dan tidak menginspirasi pribadi lain, baik seniman ataupun bukan, seni tersebut adalah gagal. Kesenian yang gagal adalah kesenian yang tidak berhasil meraih pribadi-pribadi yang bersentuhan dengannya. Kesenian yang demikian insignifikan di hadapan umum.

Lantas bagaimana? Paradigmalah yang seharusnya kita ubah. Seniman dan karyanya harus selalu menjadi pelopor dan pembuka jalan, menjadi titik awal, bukan sebagai titik akhir dari seni. Ketika kita telah berkarya sekian lama, tapi sampai saat itu tidak ada orang lain yang terinspirasi untuk melakukan hal yang sama, ini adalah sebuah pertanda bahwa ada unsur kegagalan dalam karya kita.

Apabila memang karya yang dibuat sang seniman memiliki impact yang besar, pasti ada usaha untuk, entah meniru, ataupun memodifikasi karya tersebut. Atau bahkan menjadi landasan atas berbagai hal lain yang jauh lebih besar.

Maka dari itu menjadi pelopor adalah anugerah terbesar yang bisa didapatkan seorang seniman, bukan menjadi yang satu-satunya. Menjadi satu-satunya, alias monopoli, adalah tujuan dunia yang saling injak dan menjatuhkan. Dan seniman tidak seharusnya berpikir demikian.

Menjadi pelopor berarti mengangkat orang lain untuk bersama-sama melangkah menuju arah yang lebih baik,  sebuah anugerah yang mulia bukan? Seni bisa mengubah pribadi manusia, wajah dunia politik, sosial dan bahkan ekonomi apabila dilakukan dengan kerendahan hati dan semangat kebersamaan. Jelas, semangat ‘menjadi satu-satunya’ sangat patut dihindari, apalagi bangga akan status tersebut.

Pertanyaannya sekarang adalah apakah Anda telah menjadi pelopor dan pembuka jalan? Atau hanya seorang yang menganggap diri seniman dan duduk seorang diri di atas menara gading seorang diri?

Picts:

• http://moplaon.files.wordpress.com/2009/07/prev-dare-to-be-different.jpg
• http://www.caledonianstudent.com/….donian/image_gallery/hidden_storage/Leader.jpg

~setelah membaca dari sini

Mengejutkan bahwa di mata ahli kehutanan, biola Stradivarius yang ternama itu ternyata kalah pamor dalam kualitas dibandingkan dengan biola modern yang dibuat dengan menggunakan jamur-jamur tertentu untuk memperbaiki kualitas kayu material biola. Kayu yang sudah ditumbuhi jenis jamur tertentu akan lebih berongga dan menghasilkan suara yang lebih menyerupai Strad yang ternama tersebut bahkan lebih.

Namun yang cukup mengejutkan adalah ternyata para ahli pun hanya mampu mengenali 2 dari 4 biola Stradivarius. Pertanyaannya sekarang adalah apakah benar Stradivarius itu kualitas super ataukah sebenarnya hanya sugesti si pemain saja?

Jujur saja, untuk saya ada satu frase yang muncul di ingatan, cantik itu relatif dan jelek itu mutlak. Ya, instrumen jelek sifatnya pasti, tapi untuk instrumen baik sulit sekali membedakannya karena semuanya tentu tergantung dari kualitas si pemain itu sendiri.

Justru karena data di atas kita pun berpikir bahwa sebenarnya yang mempengaruhi kualitas permainan seseorang adalah keadaan hati dan pikiran si musisi. Jangan-jangan yang sebenarnya membuat musik dari biola Stradivarius terdengar lebih baik daripada biola high-end modern adalah sugesti si pendengar dan pemain sendiri. Sedang si biola hanya berperan sekian persen dari kualitas permainan itu sendiri.

Toh lazimnya, seorang pemain biola menjadi besar bukan karena biola yang digunakannya, tetapi semata-mata permainannya. Bagaimana menurut Anda?

]]> http://mikebm.wordpress.com/2009/09/04/sehebat-itukah-stradivarius/feed/ 0 michael boy play violin http://mikebm.wordpress.com/2009/09/02/betapa-indahnya-sinergi/ http://mikebm.wordpress.com/2009/09/02/betapa-indahnya-sinergi/#comments Wed, 02 Sep 2009 09:33:40 +0000 mikebm http://mikebm.wordpress.com/?p=2226 ]]>

Bukan peristiwa yang sering terjadi di mana orkestra menjadi sebuah ajang dialog yang menawan antara Indonesia dan Jerman. Beberapa negara telah mengalami efek mujarab dari orkes yang menyatukan, salah satunya adalah West-Eastern Divan Orchestra yang menggabungkan para musisi muda dari 2 negara konflik di Timur Tengah, yakni Israel dan Palestina. Namun untuk Indonesia kolaborasi seperti ini sangat jarang didapati.

Goethe Institut kali ini mendatangkan Tübingen Kammerorchest sebagai duta budaya ke Jakarta dan berkolaborasi dengan Cappella Amadeus, salah satu orkes gesek berkualitas di Jakarta. Dan dari konser kemarin di Usmar Ismail Hall, hasilnya memang luar biasa.

Dengan mengusung tema Classical Anniversaries, orkes yang dipimpin oleh konduktor asal Islandia Gudni Emilsson membawakan Divertimento dalam F mayor KV 138 karya Mozart. Karya ini kemudian dilanjutkan dengan Violin Concerto dari Mendelssohn dalam D minor dengan solis biola yang juga adalah concertmistress, Julia Galic.

Di babak pertama ini orkestra gesek beranggotakan hampir 40 orang ini menunjukkan kelasnya, bermain dengan penuh kejernihan dan vitalitas. Proyeksi sonoritas yang mantap disertai dengan sensitivitas tinggi menjadi senjata 2 orkes yang hanya sempat berlatih bersama selama 3 hari ini. Penggarapan pun terasa begitu mendetail namun tetap terasa alami. Suara orkes besutan Emilsson ini bisa dikatakan yang terbaik yang disaksikan penulis selama setahun terakhir ini.

Julia Galic menjadi bintang malam itu. Violin Concerto Mendelssohn dengan jelas menguji penguasaan pemainnya. Namun Julia nampak dengan tenang melibas semuanya dengan elegan. Pebiola asal Tübingen ini bermain dengan kaya warna membuat setiap nada begitu bermakna. Presisi tinggi disertai dengan musikalitas yang matang benar-benar menghidupkan konserto ini.

Babak kedua giliran Dixit Dominus, sebuah cantata 8 bagian karya Handel, yang menjadi sajian. Kali ini orkes gabungan ini diperkuat oleh barisan paduan suara Batavia Madrigal Singers, sebuah paduan suara yang selama satu dekade ini berkarya terus di tanah air.

Tingkat kesulitan karya pun juga begitu tinggi sehingga sangat sulit untuk dapat mengeksekusi keseluruhan bagian dengan cemerlang, namun BMS membuktikan diri sebagai paduan suara garda depan di Indonesia.  Kesatuan suara terjaga.Eksekusi setiap bagian dari cantata ini terasa jelas dengan konsentrasi yang begitu tinggi dari setiap anggotanya. Soli Christine Tobing, Fitri Muliati, Dosma Purba, Arvin Zeinullah dan Reinier Reviero juga melakukan tanggung jawab masing-masing dengan cukup memuaskan.

Walau demikian relaksasi sebagai salah satu elemen musik selain tensi tinggi yang tampaknya kurang tergarap dari BMS malam itu sehingga sempat karya ini terkesan melelahkan, mungkin karena memang secara teknis karya ini memang begitu berat sehingga hampir seluruh penonton maklum.

Konser pun lantas ditutup dengan lagu Burung Kakatua untuk orkestra gesek dengan irama tango yang begitu kental, sebagai apresiasi terhadap sambutan penonton yang begitu meriah.

Secara umum konser ini mengusung kualitas yang tinggi, suatu pemandangan yang tidak setiap waktu bisa ditemukan di Jakarta. Selain itu, kita dapat melihat dengan nyata bukti bahwa musik mampu menyatukan perbedaan-perbedaan yang ada, suatu hal yang kita harapkan dapat lebih sering terjadi di sekitar kita. Begitu indahnya!

Q: What’s the difference between a violin and a viola?
A: There is no difference. The violin just looks smaller because the violinist’s head is so much bigger.

Q: What do you call one pretty good violinist, one better-than-average violinist, one failed violinist, and someone who hates violinists who are all together in the same room?
A: A string quartet.

Q: How’s a violin like a vampire?
A: They leave marks on your neck

~taken from http://suewidemark.com/violinjokes.htm

Nice cereal commercial, don’t you think?

The real excerpt from the real opera I Pagliacci by Leoncavallo.

Sebenarnya hanya sekedar terlintas di kepala, tapi mengapa hampir di setiap konser kita mendapat sebuah riwayat singkat si seniman tercetak, entah di buku acara atau pun di selebaran yang dibagikan. Pertanyaan yang muncul adalah apakah yang sebenarnya tersirat di balik riwayat si seniman yang tertera di atas kertas tersebut.

Jarang sekali kita melihat dibentangkannya riwayat pemusik saat pentas musik jenis lainnya. Lihat saja pagelaran musik pop dan rock, jarang sekali riwayat si pemusik ditampilkan atau pun dibagikan kepada khalayak penontonnya. Dan toh walaupun demikian konser-konser mereka tetap dipadati penonton.

Banyak yang menganggap menuliskan riwayat singkat adalah sebuah tradisi yang terus dijaga dalam sejarah musik klasik ataupun sebuah penghormatan kepada figur-figur yang berjasa dan bersinggungan dengan hidup si pemusik. Tapi nyatanya tanpa riwayat singkat pun, toh, pergelaran musik dapat terus berjalan. Lantas apa signifikansi menulis riwayat singkat dalam hampir setiap buku program?

Harus diakui bahwa musik klasik memiliki sejarah yang begitu panjang, pemusiknya di jaman sekarang selalu berusaha berhubungan dengan sebuah karya musik yang ditulis oleh orang lain dari jaman yang terpisahkan puluhan bahkan ratusan tahun. Selain sejarah yang panjang, musik jenis ini pun juga memiliki tradisi yang begitu panjang yang terhubung dengan tokoh-tokoh ratusan tahun lalu.

Mungkin inilah yang menjadi alasan mengapa pemusik klasik perlu menuliskan riwayat singkatnya. Kemungkinan besar memang berupa kerinduan ataupun kebutuhan si musisi untuk terhubung dengan sejarah dan tradisi yang panjang tersebut.

Tapi di sisi lain mungkin inilah inferiority complex yang mewabah dalam beberapa genre musik. Karena akan membawakan karya-karya yang tua dan mungkin tidak familiar, musisi sepertinya harus menunjukkan bahwa ia pun cukup paham, layak dan pantas membawakan musik-musik tersebut.

Membangun riwayat yang baik berarti juga membangun sebuah legitimasi akan keabsahan buah pikiran si pemusik. Dengan riwayat itu pula si pemusik berusaha memayungi dirinya dibawah panji besar ‘Tradisi Musik’ adiluhung, sehingga eksplorasi yang dilakukannya bisa dianggap benar dan otentik.

Mungkin itulah yang menjadi cermin besar mengapa musisi klasik dan kadang musisi jazz merasa perlu untuk menuliskan riwayat hidup mereka dalam sebuah buku acara.

Dan ini pulalah yang mungkin membedakan musisi klasik dan jazz dari genre lainnya. Mereka ini terkait begitu erat dengan tradisi yang begitu besar di belakang mereka, dan tentunya beban mereka juga untuk menjaga dengan baik tradisi itu. Mungkin riwayat singkat yang ditulis pada buku-buku acara ini jugalah yang meringankan beban  yang tertumpu di pundak mereka.

picture:

http://www.bbc.co.uk/proms/2009/images/concertp_example.jpg

Pernah mendengar West Side Story, sebuah karya drama musikal dari Leonard Bernstein yang mengangkat kembali tema Romeo and Juliet? Baru saja menemukan plesetannya di CollegeHumour.com dengan judul Web Site Story. Kreatif…

Tanpa terasa 5 tahun sudah Twilite Youth Orchestra terbentuk. Dan selama 5 tahun itu pula TYO merasakan jatuh bangun sebuah organisasi seni di Indonesia. Namun dengan sebuah keyakinan akan titik terang perkembangan kesenian bangsa, TYO kembali menyelenggarakan konser umum tahunan mereka yang ke-6 dengan tajuk The Great Overtures dipimpin oleh konduktor Eric Awuy.

Dibuka dengan Indonesia Raya di Hari Jadi Kemerdekaan RI, konser yang diadakan di Bali Room Hotel Indonesia Kempinski kemudian mengetengahkan banyak karya dari berbagai zaman. Overture Opera Le Nozze de Figaro karya Mozart yang cukup familiar di telinga pendengar dilanjutkan dengan Concerto RV 545 untuk Oboe dan Fagot karya Vivaldi dengan solis oboe Wirya Satya dan fagot Stephanie Marcia. Karya Max Bruch, Kol Nidrei juga dibawakan TYO dengan solis Beatrice Monica. Babak pertama kemudian ditutup dengan Vorspiel dari opera Die Meitersinger zu Nürnberg karya R. Wagner.

Babak kedua Overture dari opera William Tell yang bersemangat dan familiar membuka babak kedua dengan meriah. Konser lalu dilanjutkan dengan bagian pertama dengan tempo Allegro dari Concerto untuk Biola KV216 karya Mozart yang disajikan bersama dengan solois Yani Listiyani pada biola. Kemudian keseluruhan konser ditutup dengan Academic Overture karya Johannes Brahms.

Overture sendiri merupakan karya pembuka dari sebuah pertunjukan opera sebagai musik pengenalan. Overture juga seringkali masuk dalam reperoir standar orkes simfoni sebagai pembuka sebelum memasuki sajian utama. Karenanya konser TYO tahun ini tergolong unik karena mengetengahkan overture sebagai sajian utama konser.

Dari segi musikal, orkes yang tersusun dari musisi muda berusia di bawah 25 tahun ini terbilang cukup matang.  Eric pun memilih pengaturan tempat duduk yang populer di abad 18 dan 19, dengan kedua biola berseberangan, sebuah pengaturan yang sesuai dengan karya-karya konser. Karya-karya yang diketengahkan pun bisa digolongkan sangat berat untuk orkes remaja, termasuk karya-karya Mozart yang elegan namun sarat detail. Fokus dan temperamen pun juga sangat dituntut untuk membawakan karya-karya yang berstruktur besar seperti karya Wagner dan Rossini.

Secara umum akustik Bali Room kurang mencukupi untuk mendukung TYO dan konduktornya. Detail-detail kecil  yang krusial terutama pada musik barok dan klasik sulit sekali terdengar dan seakan tertelan oleh sekitar. Karya romantik pun terkena getahnya, seperti karya Wagner yang sesungguhnya diperuntukkan untuk orkes ukuran besar. Untuk TYO dengan ukuran menengah saja sulit untuk mengeluarkan karakter dan bobot yang cukup, apalagi ketika tidak didukung dengan akustik yang tepat.

Ya, Twilite Youth Orkestra memang baru berusia 5 tahun, namun sudah begitu banyak jasanya dalam pengembangan insan musik muda dan insan muda Indonesia secara umum melalui pagelaran di sekolah-sekolah. Dengan semangat overture, kita bersama-sama berharap TYO akan terus berkarya 5, 10, 20, 50 tahun mendatang bahkan lebih dan terlebih lagi semoga TYO mampu menginspirasi dan menggerakkan insan muda Indonesia untuk lebih peduli pada seni di negeri yang kaya ini.

Mari duduk di sini, di tepian jembatan ini
menatap jauh malam
saksikan benderang kota tanpa batas
berhias warna tanpa hingga

juga wajah yang telah bersalin rupa
penuh dihiaskan perhiasan kaya
gemerlap di sana sini seakan sudah makmur sentosa

Nyatanya banyak yang masih merangkak dalam lumpur kemiskinan
merayap dan berebut mengambil jatah makan
juga terhimpit hampir mati untuk pengobatan
sedang sekolah gratis hanya omong kosong belaka

Mana identitas diri?
Ketika setiap jengkal budaya terlupakan dari negeri sendiri
dan bangsa lain malah menggamitnya seakan miliknya sendiri

Mana rupa negara ini?
Ketika setiap jengkal tanah hanya berupa tanah
tak dihargai tak dicintai, tidak sadar bahkan ketika hilang pergi

Mana Indonesia ini?
Ketika anak Nusantara lebih memilih berpaling melupakan negeri
lupa akan bangsa sendiri, bahasa sendiri dan tanah air sendiri
pun Merah Putih meluruh luntur dari nadi dan hati

‘Jadi pandu ibuku’ nyatanya hanya bibir manis bercuap mesra
selalu merasa asing di negeri ini
yang katanya zamrud khatulistiwa nan asri

Mana Nusantara tercinta?
Mana Indonesia Mahardika
ketika anak bangsa malu mengaku sebagai orang Indonesia?

~16082009
Jelang Kemerdekaan Republik Indonesia, mari cintai negeri ini seutuhnya dan kibarkan Merah Putih di dada.

I wrote about this topic a year ago. And lo, this video by TED brings forth the same topic.

~ dari The Independent

Beberapa dari Anda mungkin ada yang sudah terbiasa dengan situs mikroblogging seperti Twitter dan Plurk. Sebaris dua baris kata saja sudah cukup untuk mikroblogging ini, tidak perlu panjang-panjang ketika menulis. Berita pun tersebar dengan cepat dan dengan cepat pula mendapatkan tanggapan dari sesama pengguna. Namun siapakah dari antara pembaca yang budiman berpikir bahwa tulisan-tulisan pendek itu bisa menjadi bahan libretto dari sebuah opera?

Royal Opera House (ROH) di Inggris dengan komposer Helen Porter menyusun sebuah opera dari ocehan singkat yang ditulis di Twitter. Kabarnya opera inovatif ini akan dipentaskan pada bulan September di ROH. Seru bukan?

~renungan seputar Mbah Surip

Di puncak ketenaran yang baru saja dicicipinya, Urip Rijanto harus bersegera dipanggil oleh Yang Kuasa. Memang seringkali kenyataan berbicara lain. Kali ini yang ingin disoroti bukanlah musikalitas ataupun karya-karya Mbah Surip, tetapi lebih kepada pandangan masyarakat akan seni dan kesenimanan yang tercermin pada kegaduhan publik pada sosok musisi ini.

Mengamati media beberapa waktu ini, hampir tidak terdengar mereka yang menyayangkan kepergian si Mbah karena masih menantikan karya-karyanya selanjutnya, ataupun mereka yang memuji-muji kualitas musik yang dihasilkannya. Namun hampir semua menyayangkan bahwa ia belum sempat merasakan manis perjuangannya untuk hidup ‘nyeni’.

Harus kita akui, dunia seni musik bukanlah dunia yang ramah terhadap semua orang. Terkadang sebegitu kejamnya sehingga mereka yang merintis musik di jalan pun hampir pasti gagal menembus belantika industri musik kita.

Kata ‘artis’ pun sudah mengalami pergeseran makna. Artis, termasuk yang bergerak dalam musik, sudah memiliki arti yang berbeda dengan seniman. Mereka yang mengklaim diri sebagai artis lebih identik dengan kelimpahan dibandingkan idealisme dalam berkesenian dan hidup.

Mungkin di sinilah peran yang sebenarnya dari Mbah Surip. Musiknya memang menghibur banyak orang, tetapi yang  lebih hebat mungkin bukan itu. Tetapi lebih kepada kehidupan pria ini yang menjadi testimoni hidup berkesenian.

Dengan jelas sepak terjangnya mengubah paradigma ’seniman urakan tidak akan bisa menembus pasar musik kita’. Ia yang tumbuh dalam dunia ‘musik kaum marjinal’ ternyata bisa melenggang di pasar musik kita yang masih terus mencari jati diri.

Olehnya kita dibuat berpikir kembali, artis yang mampu menembus industri musik kita ternyata tidak harus berwajah cantik dan tampan, langsing, berkulit mulus, atau bergaya menggoda, atau bahkan bermain alat musik di atas rata -rata atau menyanyi dengan merdu. Tapi mungkin memang hal-hal di atas bukanlah yang paling penting dalam berseni.

Memenuhi panggilan hidup, walau mungkin nyeleneh bagi kebanyakan orang, adalah hal yang paling esensial.  Dan dalam konsistensi memenuhi panggilan itu, si seniman berproses untuk menemukan keunikannya sendiri. Mungkin itulah makna ke-artis-an yang harus kembali disimak oleh kebanyakan orang.

Kepergian Mbah Surip memang disayangkan. Tapi sepertinya Urip Rijanto telah menemukan keunikannya sendiri, dan karenanya kita bisa memaknai peristiwa ini dengan berbeda. Karena peristiwa ini, bagi industri musik Indonesia, adalah titik temu kembali kata ‘artis’ dengan hakikat berseni.

Good to lighten up your day. Are you able to bring happiness like this?

Konser yang baik adalah konser yang memproyeksikan pandangan dari seniman yang terlibat di dalamnya akan musik. Ada yang jelas mencerminkan keseriusannya dalam musik. Ada yang jelas mencerminkan kecintaannya dalam musik. Sedangkan konser Borderless kemarin dengan jelas melukiskan kedekatan dan kesukaan para seniman pada musik. Itulah yang pandangan yang muncul dalam konser yang diselenggarakan Teater Salihara Pasar Minggu, Rabu (29 Juli) kemarin dengan pementas I Wayan Sadra dengan SonoSeni Ensemble.

Kesukaan itu dengan jelas terbalut dalam kesederhanaan. Walaupun terkesan apa adanya, tetapi memang itulah yang mereka yakini. Akhirnya yang impresi yang muncul bukanlah suatu keamburadulan, tetapi sebuah kejujuran yang begitu bernilai dalam berkesenian.

Membawakan 9 karya yang digubah oleh anggota-anggota ensemble sendiri, Borderless memang menjadi nyata tanpa batasan sedikit pun, dari hentakan ritmis sampai dengan untaian improvisasi vokalis semuanya terkesan tak berbatas. Ada karya yang dipengaruhi warna etnis, ada pula yang diperkaya dengan jazz etnis, sampai dengan eksplorasi bebunyian kental terasa.

Ketiadabatasan ini akhirnya mengarah pada terlahirnya imajinasi yang juga cenderung bebas, baik dalam sajian musik yang terkadang tiada bentuk yang jelas, maupun dalam interpretasi dan tanggapan kita dalam musik yang disajikan. Dalam Overture dalam nuansa yang cenderung bingar, ada titik kesedihan yang terkadang bisa terlihat dengan jelas. Ada juga benih-benih kemarahan yang juga tersembunyi dalam hentakan-hentakan karya Endih-endih Api.

Karya lain seperti E-Lae dan Musirawas terasa begitu kaya dengan idiom-idiom musik etnik, yaitu Madura dalam E-Lae dan Melayu dalam Musirawas. Sedangkan ABM Fantasi lebih menekankan pada aspek ekplorasi musik tanpa terpaku pada ciri bentuk musik Bugis yang menginspirasinya.

Nuansa yang berbeda juga muncul ketika musisi beralih dari musik teramplifikasi ke musik akustik dalam karya Sungsang. Penggubah, I Wayan Sadra, menulis bahwa karya ini tanpa tujuan bentuk formal, bahkan diselingi hantaman disonan yang kuat. Tetapi nyatanya musik yang disuguhkan terkesan lebih murni dan bertutur apa adanya. Terkadang inilah yang dicari para seniman.

Memang harus diakui bukan kapasitas siapapun, kecuali sang komposer, untuk menilai karya yang dimainkan benar atau tidak sesuai yang direncanakan sebelumnya. Karena itu yang menjadi hakim adalah intuisi dan tentunya cita rasa. Rasa apa yang pendengar rasakan ketika mendengar karya-karya tersebut.

Dan untuk pertanyaan di atas, jawaban bagi seniman-seniman asal Surakarta ini sangat jelas. Orisinalitas dan kejujuran dalam bermusik rasanya lebih dari cukup untuk membuat mereka bahagia. Dan bagi yang menyaksikan konser mereka, Q uod erat demonstrandum.

~maaf, tanpa gambar karena tidak diperbolehkan oleh panitia… (dan alasan lainnya juga karena saya tidak bawa kamera)

It’s been quite some time since we had jokes in the blog. Here are some for you, enjoy!

The organ is the instrument of worship for in its sounding we sense the Majesty of God and in its ending we know the Grace of God.

What’s the definition of “nerd?”
Someone who owns his own alto clarinet.

What is the dynamic range of the bass trombone? On or off.